6 feb 2012

Cúpula de San Pedro do Vaticano

NOME: cúpula de San Pedro do Vaticano
ARQUITECTO: Miguel Anxo
CRONOLOXÍA: 1546
LOCALIZACIÓN: Roma
ESTILO: Cinquecento


















Miguel Anxo sempre dicía que a arquitectura non era o seu, a pesar disto o Papa encargoulle a culminación das obras de San Pedro. Miguel Anxo retomou o proxecto inicial de Bramante e se basou na planta de cruz grega, pero reforzando os elementos constructivos para levantar a maxestuosa cúpula de 131 m, rexeitando a idea bramantina de repetir a cúpula do Panteón, en favor da idea brunellesciana de Santa María.

A cúpula nervada do xenio italiano foi a evolución do modelo de doble cascarón florentino, circular e ovalada en lugar de apuntada con curvatura lixeiramente achatada todo coronado por unha linterna.
A cúpula ten grandes dimensións, con 42 m de diámetro, está elevada sobre pendentes e posue un grande tambor. Sostida por catro grandes piares ochavados que delimitan o espacio central e sirven de contrarresto ao macizo tambor, caracterizado por catro ábsidas, e á maneira bizantina con catro cúpulas adxacentes.



O exterior magnífico con ese orde xigante ideado por Miguel Anxo. O muro exterior reforzado por doble pilastra corintia tamén de orde xigante con balcóns e fiestras.










San Pietro in Montorio

NOME: San Pietro in Montorio
ARQUITECTO: Donato Bramante
CRONOLOXÍA: 1502
LOCALIZACIÓN: Roma
ESTILO: Renacemento (Cinquecento)


















exterior
O perístilo, columnata que rodea ao edificio, está composto por dezaseis columnas de orde toscana sobre unha base soportando un entaboamento clásico, composto por arquitrabe, friso e cornixa. O friso está dividido en triglifos e metopas con baixorrelevo de imaxes dos instrumentos do martirio de San Pedro.
Esta primeira concepción clásica da paso ao segundo andar á concepción renacentista. Unha balaustrada que rodea o edificio e lle confire lixeireza e transparencia fronte á robustez das columnas do andar inferior.
O andar superior semellante a un tambor con fiestras abertas, cegas e con nichos en forma de semicúpula coronadas con cunchas.
Coroa todo o conxunto unha cúpula nervada de media esfera, ditos nervios confluen nunha linterna que remata nunha cruz.
A cella que é de planta circular, posue pilastras pegadas á parede e ten pequenas dimensións.

Este pequeno templo foi financiado polos Reis Católicos para conmemorar o martirio de San Pedro símbolo da fundación da igrexa. O templo álzase sobre a roca onde supostamente según a tradición foi martirizado o santo.
A súa forma circular, obedece á crenza neoplatónica implantada por Marsilio Ficino, que afirmaba que a Deus lle correspondía a forma circular, a máis perfecta. Este templo converteuse así, en modelo de templo platónico ideal, facendo referencia á divinidade e o tránsito do mundo terreal ao celeste a través da súa cúpula.
Con estas premisas, dous anos despois, Rafael pintaría o seu cadro Os desposorios da virxe, que posúe un templo circular coas mesmas características que o pequeno templo Bramantino.





31 ene 2012

O tributo da moeda


TÍTULO: o tributo da moeda
AUTOR: Masaccio
CRONOLOXÍA: 1427
ESTILO: renacemento (Quattrocento)
TÉCNICA: fresco
LOCALIZACIÓN: Capela Brancacci na igrexa de Santa María do Carmine, Florencia

O tributo é unha das escenas máis famosas dos frescos pintados por Masaccio na Capela Brancacci. O tema principal do conxunto dos frescos é a salvación da humanidade por Xesucristo a través da figura de Pedro, polo tanto se narran episodios da vida de San Pedro.
No tributo da moeda as figuras de Xesús e Pedro mostranse en tres partes, escena que aparece nun pasaxe do Evanxelio de Mateo: Xesús e os seus discípulos son solicitados para o pago do tributo para o templo, Xesús ordenalle a Pedro que pesque un peixe donde encontrará a moeda para pagar o tributo.
Masaccio utiliza este pasaxe para o seu fresco e o representa nun so espacio, xustapón tres escenas do Evanxelio según Mateo:
  • Un recaudador de impostos (o publicano) reclama o tributo a Pedro, este acontecemento ocupa o centro do fresco. Está o cobrador cunha túnica vermella, de espaldas, que reclama o pago do imposto. Xesús ordena a Pedro cun xesto o que debe facer.
  • Pedro colle unha moeda que fora tragada por un peixe do lago Tiberíades. Esta escena está representada no lado da esquerda.
  • Pedro paga ao recaudador no lado dereito ante un edificio que está en perspectiva.
A perspectiva utilizada por Masaccio é única, as sombras están feitas coa mesma inclinación do sol, as montañas se difuminan polo horizonte. A escena desenvolvese nun espacio arquitectónico según as leis da perspectiva. A paisaxe e a arquitectura danlle unidade ao cuadro; as líneas de fuga converxen todas na cabeza de Cristo.
As persoaxes teñen expresións vivas, están representadas de forma maciza, teñen formas escultóricas gracias ao claroscuro, evocando obras de escultores contemporáneos a Masaccio, isto é propio da tradición dos pintores florentinos desde Giotto ata Miguel Anxo.
Xesús posue rasgos humanos e ten a mesma altura que os apóstolos; Masaccio rechaza a perspectiva xerárquica tan utilizada nos mesmos temas.
Con respecto ao color utilizado, Masaccio usa a paleta clásica, os colores cálidos avanzan e os fríos retroceden, todo enmarcado nun fondo grisáceo.

30 ene 2012

Gattamelata

AUTOR: Donatello
CRONOLOXÍA: 1444-1453
ESTILO: Renacemento (Quattrocento)
MATERIAL: bronce
















Il Gattamelata é un monumento ecuestre que está considerado o primeiro do Renacemento. O seu autor é Donatello e tomou como punto de partida a estatua ecuestre de o emperador Marco Aurelio e probablemente as efixies ecuestres que aparecían nas moedas romanas.
A persoaxe é Erasmo de Narni, xefe dos exércitos mercenarios que estaban ao servicio de Venecia, e é coñecida como Il Gattamelata, que significa "gata melosa". O Condottiero está en actitude relaxada sobre o seu cabalo, viste armadura típica da época con proteccións nos brazos e as pernas. Porta unha enorme espada que está enfundada e un bastón de mando de oficial romano portándolle ese aire triunfal e de poder que nunca obtivo en vida.
A estatua levántase sobre un gran zócalo de mármore que tamén é obra de Donatello, nos seus lados conta con portas de mármore recreando as portas do Hades, imitando aos sarcófagos da antigüidade.

David de Donatello

TÍTULO: David
AUTOR: Donatello
CRONOLOXÍA: 1444-1446
ESTILO: Renacemento (Quattrocento)
MATERIAL: bronce
LOCALIZACIÓN: Museo Nazionale del Bargello, Florencia































Vasari comentou referíndose ao David de Donatello que "...ese corpo é tan natural, vívido e delicado que os artistas lles parece que debe de ter sido moldeado sobre o corpo dunha persoa viva"

A naturalidade do corpo de David, grácil e adolescente é froito dunha composición moi estudiada. A perna dereita soporta o peso do corpo liviano, e a esquerda descansa sobre a cabeza de Goliat. O ángulo que forma coa perna que está libre é contrarrestado polo brazo que David apoia sobre a cadeira.
O corpo desnudo, só viste un sombreiro e calzas de pel, é realzado pola inclinación da cadeira e a posición casi erecta do tórax, utilizando e recreando a curva praxiteliana, dándolle movemento e sensualidade ao corpo de David.
Está feito en un bronce case negro e moi pulido o que lle serve para realzar as calidades do seu corpo xuvenil.



Todos os atributos que Donatello utilizou, como a espada, a pedra que garda nunha das súas mans e esa mirada de satisfacción sobre o seu trofeo, denotan coraxe e valentía.
O David de Donatello vai máis alá dunha sinple descripción dun relato bíblico, hai que observar o helmo e as ás de Goliat, claro referente aos duques de Milán que ameazaron continuamente a cidade de Florencia, tamén fai referencia a esta co sombreiro, típico dos campesiños florentinos.
Así, Florencia representada por David, máis pequeno, enfróntase á grande e poderosa Milán.














detalle da cabeza de Goliat
          


        




29 ene 2012

San Lourenzo

NOME: Igrexa de San Lourenzo
ARQUITECTO: Filippo Brunelleschi
CRONOLOXÍA: 1421-1470
ESTILO: Quattrocento
LOCALIZACIÓN: Florencia


















A igrexa de San Lourenzo é a reinterpretación xeométrica da basílica romana e a igrexa paleocristiá. Estudio da perspectiva, consegue que todas as liñas converxan nun único punto, o altar; estudio tamén de simetría, pois si nos situamos na nave central percibimos un lado como espello do outro. A escala utilizada é a humana nun espacio diáfano donde prima a horizontalidade sobre a verticalidade.
Todos os elementos arquitectónicos están calculados tomando o cruceiro como módulo: naves, capelas, arcos.







A planta da igrexa é tamén simétrica e está articulada en tres naves, transepto delimitado por unha escalinata de tres escalones que da acceso ás capelas que percorren toda a igrexa. A ábsida é rectangular e está flanquedada por dúas sacristias. Para a cúpula sobre o cruceiro, Brunelleschi recuperou as pendentes, que permiten pasar da planta cadrada á circular, e que se utilizaba na Antigüidade.











25 ene 2012

Cúpula de Santa María dei Fiore

NOME: Cúpula de Santa María dei Fiore
ARQUITECTO: Filippo Bruneleschi
CRONOLOXÍA: 1418-1446
LOCALIZACIÓN: Florencia
ESTILO: Renacemento (Quattrocento)



















A cúpula presenta un aspecto gracias ao seu aspecto oxival, apuntado, conseguido a partir da curvatura dos oito nervios de mármore branco que ascenden ata a linterna, diseñada polo propio Brunelleschi.
A cúpula que é octogonal está recuberta por tellas vermellas e álzase sobre un tambor tamén octogonal de pedra cun revestimento de mármore con un gran óculo en cada un dos seus lados, a modo de ollo de boi.



interior
O seu interior realizouse sen armazóns interiores, normalmente de madeira curva que lle serviría de soporte á bóveda mentras fora construída.
Brunelleschi ideou un método para alzala. Fixo a cúpula con un dobre cascarón octogonal con un espacio baleiro no medio. O cascarón interno é de ladrillos e pedra pois debía ser máis resistente que a cúpula externa pois debía sostela.
O espacio baleiro foi pensado para que entre os dous cascaróns puidese trazarse unha esfera. Desta maneira, Brunelleschi, se beneficiaría da calidad dunha cúpula esférica. O autor con este sistema ideou o sistema de autosustentación pois compensaba a presión exercida hacia o interior.
O empuxe centrífugo que se producía na base da cúpula foi contrarrestado polos nervios visibles do exterior, e por semicúpulas que actuaban de descarga.

A catedral era de estilo gótico e mantiña a decoración bícroma típica da arquitectura románica da toscana. Desde o seu principio en 1296, sempre estivo planificada a construcción dunha gran cúpula sobre o cruceiro, e no 1418 xa se prefixaran o tambor octogonal.
Brunelleschi foi elexido no concurso polo seu novedoso proxecto. 


23 ene 2012

O xardín das delicias

TÍTULO: O xardín das delicias
AUTOR: O Bosco (Hieronymus van Aeken)
CRONOLOXÍA: 1510-1515
ESTILO: gótico flamenco
TÉCNICA: óleo
LOCALIZACIÓN: Museo del Prado, Madrid















elementos plásticos
Á esquerda do tríptico, o paraíso está representado con tons verdes e amarelos, que nos denotan pureza e renovación; no centro prevalece a cor e a luz do paraíso; no lateral dereito ou inferno prevelecen os tons oscuros como o negro e o vermello máis acordes co tema tratado e no tríptico cerrado están as tonalidades grises e apagadas revelando un mundo todavía con pouca vida no seus inicios.

composición
No exterior, co tríptico pechado, observamos ao mundo no seu terceiro día da súa creación dentro dunha esfera de cristal.
No interior, a táboa da esquerda representa a creación de Eva observada por Adán. Ao fondo pódese ver a fonte da vida rodeada de animais fantásticos e árbores exóticas. A táboa da dereita está adicada ao inferno.  O negro e o vermello dominan agora a paisaxe. Aquí o Bosco mestura os papeis e incluso os cambia, como podemos observar na escena do coello que leva unha víctima humana pendurada dunha lanza. Tamén introduce aquí as proporcións grandes de obxectos cotiás covertidos incluso en instrumentos de tortura reflexando o caos existente no inferno donde as relacións entre os seres vivos se invertiron.


creación de Eva

o inferno

















































A táboa central é un extenso xardín cheo de animais, de homes e mulleres espidos en escenas case sempre lascivas. No centro un grupo de xinetes xira arredor dun estanque central na que se bañan algunhas mulleres; con esta escena O Bosco intentaba plasmar a orixe das actividades dominadas pola tentación da carne.


Nesta táboa, a que é propiamente o xardín das delicias, representa o pecado mortal da luxuria. Nas laterais, escenifica a orixe do pecado e o seu castigo. Reprodúcese a lascivia de forma explícita como por exemplo na parella que está nunha esfera transparente, pero tamén se alude á sexualidade dunha forma metafórica como por exemplo nos moitos froitos que sosteñen as persoaxes ou amantes.

Matrimonio Arnolfini







































TÍTULO: Matrimonio Arnolfini
AUTOR: Jan Van Eyck
CRONOLOXÍA: 1434
ESTILO: gótico flamenco
TÉCNICA: óleo
LOCALIZACIÓN: National Gallery, Londres


Esponsais entre Giovanni Arnolfini, rico mercader italiano en Flandes, e a súa prometida, Giovanna Cenami. A escea desenvólvese na súa cámara nupcial.

Tres cores destacan na composición cromática do cadro: verde intensa reflexado no vestido da noiva, o marrón da túnica que luce Giovanni Arnolfini, e o vermello que cubre o mobiliario da estancia. A luz provén dunha fiestra que está situada á esquerda detrás das personaxes, provocando unha atmosfera especial iluminando de cheo á noiva e creando tamén unha zona de penumbra arredor do noivo.
Van Eyck cambiou a forma tradicional de pintar, substituíndo o tradicional ovo como base, polo aceite que secaba de forma máis lenta e permitía os famosos repintes, conseguindo ese realismo característico da escola flamenca a base de ir engadindo pequenos detalles.

A composición do espacio está conseguida a partir da confluencia na parede do fondo das paredes laterais. Tamén no fondo conflúen as liñas de fuga que están representadas polas vigas do teito e as táboas do chan, conformando o desexado efecto tridimensional. A tridimensionalidade está reforzada polo espello na parede, recurso empregado posteriormente por outros grandes mestres da pintura como Velázquez. No espello están reflexados dúas personaxes que se encontran en fronte aos protagonistas. Por encima do espello podemos observar unha inscripción que dice: Johannes de Eyck fuit hic, 1434, Johannes van Eyck estivo aquí. No teito está unha lámpada que se encarga de centrar a composición. O esposo colle coa súa man esquerda a man da muller, e coa dereita fai un xesto de aprobación ou aceptación. A muller baixando a cabeza sinala a súa modestia.

O cadro no seu conxunto nos está a falar dunha escena relixiosa, aínda que en un principio poderíamos pensar que se trata dunha escena costumbrista, pois nos representa a celebración do sacramento do matrimonio que no século XV non necesitaba da participación dun sacerdote, poi bastaba con dúas testemuñas. A obra está toda ela cargada dun gran simbolismo; a lámpada que pendura do teito simboliza a Xesucristo que todo o ve e santifica, e nos remite á unidade do matrimonio. Os zocos no chan aluden a que os esposos están descalzos e simboliza o sagrado do acto, o can representa a fidelidade dentro do matrimonio, a borla que cae da cabeceira da cama e o ventre avultado da muller simbolizan a fertilidade; as froitas situadas na ventá aluden á inocencia orixinal.

19 ene 2012

Lamento sobre Cristo morto

TÍTULO: lamento sobre Cristo morto
AUTOR: Giotto di Bondone
CRONOLOXÍA: 1303-1305
TÉCNICA: fresco
LOCALIZACIÓN: Capela dos Scrovegni, Padua (Italia)

















Giotto di Bondone (1267-1337), máis coñecido por Giotto, tivo por mestre a Cimabue, e xa no ano 1300 era un artista de gran fama. Pintor e arquitecto, a súa influencia extendeuse por toda Italia e por Europa. O ciclo das Historias de María e as Historias de Cristo que representou na gótica capela de Scrovegni, é unha das principais obras mestras da arte medieval.
Lamento sobre Cristo morto (Il Compianto su Cristo morto) forma parte deste ciclo. A figura de Cristo morto encóntrase espida tendida no solo. Xunto a él, unhas mulleres cuidan o cadáver; máis alá os seus discípulos súmanse ao lamento, e no ceo os anxos participan no duelo. O fondo da escea está composto por rocas, a árbore e o ceo oscuro por un azul intenso.
Na formidable síntese de Giotto, nada ten función de ornamento gráfico, senon que posibilita a definición de volumes, o peso da verticalidade e a medida dos xestos. Cada figura ten a súa propia posición e expresan xestos individuais de atención ou desolación ante o falecido. O grupo que está aislado do mundo, fórmase con volumes tratados con amplos planos que emerxen da luz, cerrando o conxunto arredor do cadáver as dúas figuras de espaldas en primeiro plano.
Giotto calcula o espacio a través da posición das figuras, en primeiro plano os dous corpos agachados, máis alá de Cristo encóntranse as figuras da Virxe María e María Magdalena. As personaxes inclinadas hacia adiante de celeste e rosa dirixen a súa atención hacia as figuras principais. Dúas parellas de pe, á dereita e á esquerda, pechan o grupo.
É de destacar o detalle da Nai coa Santa Face, donde se condensa todo o patetismo da composición. A fría rixidez da morte contrasta coa vitalidade do rostro e a delicadeza das mans da Virxe. Todas as miradas converxen hacia a escea principal, incluso a roca segue a mesma dirección que a línea das miradas.
Na liña do estilo italogótico, do que foi un dos principais precursores, Giotto utiliza cores sumamente matizadas.

18 ene 2012

Anunciación e Visitación de Reims

NOME: Anunciación e Visitación de Reims
AUTOR: anónimo
CRONOLOXÍA: 1230-1260
ESTILO: arte gótico
ETAPA: escultura gótica de transición francesa











Os grupos escultóricos da Anunciación e A Visitación da xamba dereita da fachada occidental da catedral de Reims son a culminación iniciada nas grandes portadas das catedrais. As figuras ilustran o tránsito dunhas formas todavía influenciadas polo románico -a Anunciación- a outras formas influencidas polo naturalismo gótico -a Visitación-. As estatuas se liberan da súa condición de soporte arquitectónico e prácticamente están exentas.
A Anunciación está composta pola Virxe e un anxo que está a sorrir de rostro cheo de dulzura e ledicia, enmarcado polo pelo rizado, insinuando o movemento a partir dunha xesticulación dos brazos, sobresae o canon esbelto do corpo e o lixeiro contrapposto. Xunto a él, María exhibe un estilo máis severo e carece de expresión e as súas vestiduras modeladas superficialmente e con pregamentos rectos e angulosos fan destacar a súa verticalidade.
En contraposición o grupo da Visitación, o encontro de María e Isabel embarazadas, reflexa un gran dinamismo interno e nos remite á antigüidade, a súa factura revela o estilo de outro mestre fortemente influenciado pola estatuaria clásica. Ámbas figuras posúen a postura clásica do contrapposto; as cabezas se inclinan e xesticulan coas mans; os rostros expresivos e claramente diferenciados, a Virxe representada coma unha xove doncela, e a súa prima Isabel, máis madura e digna; as vestimentas modeladas e con pregamentos que envolven os corpos que se adiviñan por debaixo da roupa. Ámbas figuras comparten o espacio e interactúan entre si.
En canto á temática, á esquerda, o anxo anuncia a María que vai a concebir ao Fillo de Deus. Á dereita, poucos meses despois de recibir o anuncio de que sería nai, María, preñada de Xesús, viaxa hasta Xudea para visitar á súa prima Santa Isabel, que tamén está á espera dun fillo, a pesares da sáu presunta esterilidade e idade avanzada.


 

17 ene 2012

Pórtico Real de Chartres

NOME: pórtico Real da catedral de Chartres
AUTOR: anónimo
CRONOLOXÍA: mediados século XII
ESTILO: arte gótico
ETAPA: escultura gótica de transición francesa









O pórtico Real construíse na década de 1140 para a anterior catedral románica. As xambas están decoradas por altas figuras de reis e personaxes do Antigo Testamento, posiblemente antepasados de Cristo, as figuras son básicamente simbólicas. As estatuas mostran unha expresión serea, alonxada da severidade do románico.
As figuras reais teñen unha estatura menor pero casi igual cas bíblicas simbolizando o parentesco entre realeza e divinidade.
Os frisos da esquerda amosan esceas da vida da Virxe na súa xuventude con San Xoaquín e Santa Ana. Os frisos da dereita relatan esceas da vida de Cristo, co Bautista e a presentación do templo.
O tímpano está decorado co Xuízo Final co Pantocrátor enmarcado na mandorla e rodeado polos símbolos dos evanxelistas. O pórtico esquerdo está adicado á ascensión de Cristo. O pórtico dereito mostra a pureza de María e a súa dignidade como nai de Cristo.






estatuas columnas

estatuas columnas

             

16 ene 2012

Catedral de León




Fotos Wikipedia


NOME: Catedral de León
ARQUITECTO: Mestre Enrique, Juan Pérez
CRONOLOXÍA: 1255-1300
LOCALIZACIÓN: León
ESTILO: gótico castelán


exterior
A fachada occidental está claramente inspirada en Chartres, ten dúas torres cadradas rematadas por pináculos e separadas do corpo principal e unidas por arcobotantes. Destaca a triple portada con arcos apuntados e abocinados con un espléndido programa escultórico, triple portada oxival, un triforio e cerra o conxunto un xigantesco rosetón e un gablete flanqueado por dous pináculos.
Os muros laterias están cortados por contrafortes e arcobotantes con pináculos, que recollen o peso da bóveda da nave central e permiten abrir numerosos ventanais nos espacios intermedios.


planta e interior

A planta está inspirada en Reims, pero un pouco máis reducida. Unha planta basilical cruciforme de tres naves. Isto provoca que estemos a falar dunha "macrocefalia", cabeza demasiado grande, que fai que o templo perda en profundidade e perspectiva.
Consta de tres naves, a central máis alta que as laterais, cabeceira formada por un gran transepto de tres naves e ábsida con deambulatorio e cinco capelas radiais de forma trapezoidal.
As bóvedas son de crucería e posue finas columnas ata o chan.




Especial atractivo ofrece a Catedral de León no sistema de ventanais utilizado creando unha luminosidade única tamizada por as súas impresionantes vidrieiras. 230 ventanais apuntados que xunto aos rosetóns, suman máis de 1200m cadrados de vidrieiras policromadas.
O alzado leonés responde á utilización plenamente gótica de arcadas, triforio e claristorio.



11 ene 2012

Catedral de Reims



Foto Wikipedia

Foto Wikipedia

NOME: Catedral de Reims
CRONOLOXÍA: 1211-1275
LOCALIZACIÓN: Reims
ESTILO: gótico
AUTOR: descoñecido

A Catedral de Reims continuación do esquema xeral seguido en Chartres, está considerada como a culminación do período gótico clásico francés.
Posúe unha espléndida decoración escultórica exterior ao que hai que engadirlle unha innovadora tracería calada, característica do gótico tardío.

exterior
A fachada occidental está dividida en varios corpos. O corpo inferior está composto por tres portas, que se corresponden coas naves interiores, ornamentadas con arquivoltas con esculturas e abertas en vans con vidrieiras e tracería gótica, sobresaíndo o gran rosetón central. O pórtico maior está dedicado á Virxe María.  Destacan os grupos das xambas, donde se encontra o tema da Anunciación. Apréciase a busqueda dunha nova expresividade donde as personaxes parecen querer falar entre elas, con xestos e expresións individualizadas. O anxo do sorriso, o Arcanxo Gabriel no tema, convírtese no paradigma desta nova escultura gótica. No segundo corpo un gran rosetón enmarcado por un arco apuntado, atravesado no centro por a punta do gablete. Flanqueado por arcos apuntados xeminados decorados con tracería gótica e rematados por gabletes. No terceiro corpo nos encontramos a famosa galería dos reis, con esculturas baixo doseletes de arcos apuntados rematados por gabletes. Rematan o conxunto unhas imponentes torres, con torrecillas no ángulos e decoradas con tracería.





As fachadas do transepto están tamén decoradas con esculturas. A do norte contén as esculturas dos Bispos de Reims, a representación do xuízo final e unha figura de Xesús (le Beau Dieu), mentres que no lado meridional ten un bonito rosetón cos profetas e os apóstolos.


interior
A fábrica destaca pola unidade do seu estilo, a pesar da prontitude da súa construcción, a penas durou dous séculos.
A altura da nave maior é de 38 m (Amiens e Beauvais son máis altas).
En planta posúe unha nave central e dúas laterais, ábsida con deambulatorio e cinco capelas radiais. Triforio e amplo claristorio conservando vidrieras que van desde o século XIII ata o século XX; Marc Chagall diseñou a vidrieira no ano 1974 da ábsida.

19 dic 2011

Pórtico da Gloria

TÍTULO: Pórtico da Gloria
AUTOR: Mestre Mateo
CRONOLOXÍA: 1168-1188
ESTILO: Románico tardío
TÉCNICA: talla
MATERIAL: mármore e granito













"No ano 1188 da Encarnación do Señor, o mestre Mateo dirixiu a obra desde o comezo"

"Velaquí, un trono no ceo, e no trono, un sentado./ E arredor do trono había 24 tronos; e vin sentados nos tronos a vintecatro anciáns, vestidos de roupas brancas, con coroas de ouro nas súas cabezas./ E diante do trono había como un mar de vidro semellante ao cristal; e xunto ao trono, e arredor do trono, catro seres viventes cheos de ollos diante e detrás. O primeiro ser vivente era semellante a un león; o segundo era semallante a un becerro; o terceiro tiña rostro como de home; e o cuarto era semellante a unha aguia voando./ E sempre que aqueles seres viventes lle dan gloria e honra e acción de gracias ao que está sentado no trono, ao que vive polos séculos dos séculos, os vintecatro anciáns póstranse diante do que está sentado no trono, e adoran ao que vive polos séculos dos séculos" (Apocalipse de San Xoán).
                                                                                    


composición
O pórtico da Gloria forma parte do nártex da catedral, un reducido espacio de apenas 5 m de ancho que nos impiden a súa visión frontal. Trátase do nivel superior da cripta, ideada polo mestre Mateo para compensar o desnivel do terreo que había con respecto á praza exterior.
Dividido en tres partes que se corresponden coas naves da igrexa, posue máis de duascentas figuras dunha exquisita factura, que utilizando o horror vacui románico, enchen todos os elementos arquitectónicos: arquivoltas, tímpanos, columnas, capiteis.

O punto neurálxico de todo o programa é o parteluz, que o preside a estatua sedente do apóstolo Santiago, patrón da igrexa compostelá coroado por un nimbo de pedras engarzadas, apoiado nun báculo e cunha cartela na man.
                                                                                  




O tímpano principal recrea o Apocalipse: Cristo está no centro en maxestade, amosando as chagas, rodeado polos catro evanxelistas cos seus símbolos; a arquivolta amosa os anciáns do Apocalipse, sobre o dintel, uns arcanxos portan os símbolos da paixón; nos espacios curvos están os elixidos -as doce tribus de Israel e a corte celestial-.









detalle do vintecatro anciáns




detalle dos arcanxos

Nas xambas, un magnífico conxunto de profetas e apóstolos que conversan entre eles.




As xambas simbolizan os fundamentos da cidade descrita por San Xoán, as columnas son o Antigo Testamento -profetas- e o Novo Testamento -apóstolos-. Nos profetas, un apesadumbrado Xeremías sufre polas súas profecías; Daniel está sorrindo pola chegada do Salvador; Isaías sostén un pergamiño; e Moisés levanta as táboas da Lei. Nos Apóstolos, está San Pedro -como sumo pontífice- coas chaves do reino de Deus; San Paulo descalzo; e San Xoán en pé sobre un aguia.

A arcada esquerda está dedicada á Lei de Moisés e a da dereita está dedicada ao Xuízo Final.
En conxunto posue o Pórtico da Gloria unha gran unidade estilística e un dominio técnico que se pode relacionar coa Antigüidade clásica -proporción e elegancia no detalle-.
Estéticamente, o mestre Mateo, rompe co románico no tratamento individualizado das personaxes -rostro e cabelos-, aproximándose ao retrato. Todas as figuras posuen un marcado dinamismo, principios de movemento, que se separan cada vez máis da rixidez románica.




    
                                                                                  
      

13 dic 2011

Portada de Platerías

NOME: portada de Platerías
ARQUITECTO: maestro Esteban
CRONOLOXÍA: 1103
LOCALIZACIÓN: Santiago de Compostela
ESTILO: románico













Trátase dun dos primeiros exemplos de portadas historiadas na Península, a porta de Platerías, situada na parte sur do transepto, presenta un extraordinario conxunto escultórico cunha decoración que non só se limita aos tímpanos.
A portada estructúrase en dous corpos. No corpo central inferior observamos dúas portas abocinadas con tres arquivoltas cada unha sobre columnas acodadas, con tímpano semicircular, sobre os arcos exténdese un friso continuo. No segundo corpo ábrense dúas ventás con arcos polilobulados de influencia hispanoárabe.
Un incendio na fachada románica norte (Azabachería) provocou esa apariencia caótica que posue na actualidade pois algunhas das esculturas da citada fachada norte foron adosadas ao conxunto.
A porta de Platerías estaba dedicada á Redención, destacando a doble natureza de Cristo, a humana e a divina.





No tímpano da dereita, móstrase a natureza humana de Cristo, cunha serie de escenas como o "anuncio aos pastores", ou a "adoración dos Magos" na parte superior do mesmo, e o "prendemento", o "Cirineo", a "flaxelación" e a "coronación de espiñas" na parte inferior, como exemplos da súa humanidade.









No tímpano da esquerda, móstrase a natureza divina de Cristo, resistindose ás tentacións demoníacas e acompañado dunha serie de anxos, episodio que reflexa a súa estancia no deserto. Na parte inferior aparece unha enigmática muller de longos e alborotados cabelos, vestida con lixeira túnica transparente, recordo quizá dos panos mollados, sostendo entre as mans unha caveira. Hai autores que a consideran unha representación de Eva, aludindo así ao pecado orixinal, outros en cambio creen que o significado habería que buscalo no propio Códice Calixtino.
No friso, a continuación, aparecen as figuras do "Salvador" e os "Apóstolos" e unha serie de placas adosadas que pertencen a escenas do Xénese como a "creación de Adán" ou a "expulsión do paraíso". No lateral da porta esquerda, encóntrase unha das xoias da escultura románica española de principios do século XII, a imaxe do rei "David" cunha especie de laúd, sedente e coas pernas cruzadas que nos recorda a outras esculturas románicas de catedrais francesas.

8 dic 2011

Catedral de Santiago de Compostela

NOME: Catedral de Santiago de Compostela
ARQUITECTO: descoñecido (Comitente: Diego Peláez -1075-1087-; Diego Xelmírez -1100-1128-)
CRONOLOXÍA: 1075-1128
LOCALIZACIÓN: Santiago de Compostela (Galicia)
ESTILO: Románico













Neste templo finaliza o camiño de peregrinación establecido polos monxes de Cluny. O edificio está claramente inspirado nos grandes templos de peregrinación franceses, posue reminiscencias asturianas e mudéxares e é a obra cumio da arquitectura románica española.
Os comitentes foron os dous bispos catedralicios pero é perceptible mencionar aos mestres franceses Bernardo e Roberto, e os seus discípulos, mestre Estevo e Bernardo o Mozo.


planta e interior
Unha das maiores igrexas de peregrinación do camiño introduce dimensións monumentais con respecto a outras hispánicas.
A planta de cruz latina, simétrica e regular. Ten tres naves lonxitudinais, precedidas por un nártex, cun gran transepto dividido tamén en tres naves, soportando catro absidiolos nos brazos  e rematando en dúas grandes portas. A cabeceira posue un deambulatorio con cinco capelas radiais.

No interior prima a sensación de verticalidade e esveltez, a nave central ten 22 m de altura e está cuberta por bóveda de canón con arcos faxóns, nas naves laterais posue bóvedas de aresta e de cuarto de canón na tribuna.





O alzado a dous niveis está moi desenvolvido, en primeiro término as arcadas e en segundo unha tribuna. O primeiro nivel posue arcos de medio punto que descargan sobre piares cruci formes con columnas pegadas en todas as súas caras, estos arcos soben ata o arranque dos arcos faxóns das bóvedas dividíndoas en diferentes tramos.
A tribuna é, xunto ao deambulatorio, unha novidade que caracteriza ás igrexas de peregrinación. Tribuna, deambulatorio e transepto permitía aos peregrinos visitar todo o templo sen interferir na celebración dos oficios. A tribuna de Santiago é elevada e profunda con vans a cada lado, no lado da nave central posue arcos xeminados.




contido
A catedral compostelana era a meta do camiño de Santiago, unha das rutas de peregrinación máis importantes da idade media. En santiago surxiu a necesidade de construir un templo capaz de dar cabida á cantidade de peregrinos que se acercaban a Santiago a venerar o sepulcro do apóstolo. A súa construcción iniciouse no 1075, durante o reinado de Afonso VI (1040-1109) e baixo a dirección do bispo, Diego Peláez. As obras foron interrompidas hacia o ano 1088 e non se retomaron ata que foi bispo Diego Xelmírez (1068-1139/40), hacia o ano 1100. Foi consagrada no 1105 e á morte de Xelmírez no 1140 practicamente estaba rematada.




7 dic 2011

Van Gogh 1853-1890

Todos conocemos la verdadera historia de Vincent Van Gogh...o no?
Tradicionalmente el pintor se disparó en el pecho en mitad del campo y regresó a duras penas a la pensión donde vivía en Auvers-sur-Oise. Esto ocurría un 27 de julio de 1890. Vincent se trasladó a esa localidad francesa donde lo cuidó durante un tiempo el doctor Gachet, protagonista de alguno de sus cuadros, aquejado de continuos ataques epilécticos.
Van Gogh convertido en martir del arte moderno, tildado por muchos de loco, con una intensa y apasionada dedicación a su pintura, se convierte en paradigma de artista difundido por el Romanticismo a costa de su pobreza e incomprensión.
Decide dedicarse a la pintura en 1880, siempre respaldado económicamente por su hermano Theo.
En sus inicios y primeros pasos como pintor está claramente influenciado por Millet. Es curioso como Van Gogh sólo recibió una clase de pintura en su vida.
En su estancia en París, ayudado por su hermano, conoce a los impresionistas y su revolución llevada a cabo en el color.
Cuando decide trasladarse a Arlés en 1888 a la "Casa Amarilla" donde se instala y por fin disfruta del sentimiento de pertenencia, es donde conoce a Gaugin que quiere crear una comunidad de artistas en Arlés, sus personalidades chocan y ahí es donde precisamente se produce el famoso episodio paranoide cuando Vincent se corta la oreja.
Una nueva biografía escrita por los estadounidenses Steven Naifeh y Gregory White Smith, sostiene que el pintor no se suicidó, sino que murió de un disparo accidental en Auvers-sur-Oise en 1890.
El autor del disparo fue un joven adolescente llamado René Secrétan, obsesionado con el lejano Oeste, quien le alcanzó en el pecho accidentalmente cuando se lo encontró en un campo de trigo al cual Vincent solía ir a pintar.
El pintor, que conocía al muchacho, volvió según la biografía publicada en el Reino Unido, a la pensión donde se alojaba, muriendo treinta horas después de forma agónica.

6 dic 2011

San Miguel de Celanova


NOME: San Miguel de Celanova
ARQUITECTO: descoñecido
CRONOLOXÍA: 932, consagrada en 942
LOCALIZACIÓN: mosteiro benedictino de San salvador de Celanova (Ourense)
ESTILO: mozárabe












Cunha superficie de case 22 metros cadrados e unha altura que non alcanza os seis metros, outórgaselle carácter de capela ou oratorio privado, relacionado coa figura de San Rosendo, personaxe importante da historia de Galicia, obispo de Mondoñedo e Santiago e fundador do mosteiro de Celanova.
Mozárabe, século X (aproximadamente, 940). Orixinariamente non foi concibido como oratorio nin como igrexa; foi, probablemente, unha edificación destinada a albergar frades transeúntes no mosteiro de Celanova. Trátase dun edificio de pequeno tamaño (altura máxima de 6 m.,8,5 de longo por 3,85 de ancho). Aparello de sillería na tradición da arte visigótico do século VII.A fábrica presenta bóveda de canón de ferradura na nave, nervada no cruceiro e de cascarón gallonado na ábsida.
En planta consta de 3 elementos, un pequeno atrio ou antesala, unha nave cadrada e unha ábsida diminuta; a entrada está na fachada (lateral) sur do atrio e faise por unha porta adintelada, posición da porta propia dos templos mozárabes. As estancias comunícanse entre si por dous arcos de ferradura, un dobrado e outro con alfiz, de tipo islámico califal. A ábsida é rectangular visto desde o exterior pero internamente a súa planta ten forma de arco de ferradura moi pechado, o que, xunto ao seu pequeno tamaño, fai del algo parecido ao mihrab dunha mesquita árabe-musulmá.





planta
A planta non é basilical, senon que preséntase do tipo cruciforme. Destaca o cruceiro central, a nave principal, máis grande e máis alta, de planta cadrada cuberta por bóveda de aresta de ladrillo sobre arcos de ferradura e reforzada no exterior con contarfortes. 
A cámara principal cóbrese por unha bóveda de arestas en ladrillo, sostida por arcos peraltados e apoiados nunhas ménsulas de rolos; o atrio está cuberto por unha bóveda de canón en forma de ferradura apoiada sobre unha moldura de arranque; a ábsida está cuberta por unha bóveda de gusto andalusí formada pola
intersección de oito casquetes esféricos, unha bóveda gaionada de oito plementos, en ladrillo e recuberta de xeso, que arrinca nunha simple imposta. En cada un dos lados, ábrese unha pequena ventá para iluminar o interior. Á nave, accédese por unha porta lateral, está cuberta con bóveda de canón de pequenas dimensións, o mesmo que a ábsida.
As influencias da arte califal da mesquita de Córdoba son evidentes, nas cubertas, nos arcos de ferradura co seu correspondente alfiz e na decoración con modillóns.

Contexto historico
Para entender este edificio na Galicia feudal e cristiá do século X debes ter en conta que, a partir de mediados do século IX, moitos cristiáns mozárabes abandonaron Al-Andalus para repoboar as terras reconquistadas polos reinos cristiáns ao norte do Douro (persecucións no sur, promesas dos estados do norte). No século X Galicia está lonxe dos avatares político-militares das terras de fronteira co Islam, a
vida aquí era máis tranquila e iso atraeu aos mozárabes, aínda que en menor cantidade que ás zonas do norte da meseta do Douro. En todo caso os edificios mozárabes galegos son máis tardíos que o leoneses pero aquí, como en todas partes, a arte mozárabe introduciu na arte cristiá occidental técnicas e formas de orixe árabe.


Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...